DailyCosas 2.0

En septiembre de 2011 se estrenó en Japón el anime Tiger & Bunny, una serie que rápidamente captó la atención del público. Masafumi Nishida fue su showrunner y Masakazu Katsura se encargó del diseño de personajes. Esta serie es un curioso caso sobre publicidad digno de estudio de hasta donde puede llegar el product placement.

Ambientada en un mundo futurista, la historia sigue a un grupo de superhéroes que combaten el crimen mientas son celebridades mediáticas, sus hazañas se retransmiten en directo para deleite del público. Con un toque de humor, los protagonistas son un veterano superhéroe que está por retirarse (Tiger) y un joven con el que le emparejarán (Bunny).

Lo que resultó chocante es la integración de la publicidad dentro de su narrrativa, ya que las marcas que aparecen en la misma son marcas del mundo real: Pepsi, Bandai, SoftBank, Amazon… En otras producciones esto suele aparecer de manera incidental, aquí es parte de su universo. Las marcas aparecen decorando las armaduras, las ropas y los vehículos de los superhéroes como auténticos patrocinadores de estos.

El product placement (emplazamiento de producto) no es un concepto nuevo en televisión o el cine, se lleva viendo desde sus mismos orígenes. Y ya actualmente en muchas series y películas es algo habitual, desde la cocina de Médico de Familia, hasta los guiños irónicos en The Truman Show. Sin embargo lo de esta serie va un paso mas allá.

Curiosamente, en su paso a su emisión por streaming por Netflix, todos estos patrocinios visibles en la versión original han desaparecido, reemplazados por objetos sin marca, dejando las armaduras con espacios en blanco. Quizá por un tema regulatorio o porque las marcas solo tenían contrato para ser mostradas en un territorio, incluso sería innecesario hacer publicidad de estas marcas fuera de Japón.

Para la segunda temporada de la serie, se anunciaron muchos de sus patrocinadores, unos para la primera tanda de capítulos y otros para la segunda. Que además, se apuntaron a publicitar la serie desde sus redes.

Bola Extra: IA product (re)placement

Con el avance de la inteligencia artificial y las técnicas de edición digital, el product placement ha adquirido una nueva dimensión. Hoy es posible insertar marcas en películas, series o videojuegos de manera dinámica y personalizada, adaptando los productos a distintas audiencias o mercados sin necesidad de regrabar escenas. Esto se logra mediante algoritmos de IA que reconocen elementos en movimiento, superficies y contextos, permitiendo reemplazar un logotipo o un objeto por otro de forma convincente y casi imperceptible.

Así, una misma serie puede mostrar productos diferentes según la región geográfica, el perfil del espectador o incluso acuerdos comerciales posteriores a la producción original, transformando la publicidad audiovisual en un proceso flexible, escalable y altamente segmentado.

¿Qué puede tener en común la trilogía Millenium de Steigg Larson y la 13 Rue del Percebe? El pintor catalán Gino Rubert.

En España, para las portadas de las ediciones realizadas por el Editorial Destino se utilizaron las ilustraciones realizadas por el autor catalán. Figuras de mujeres estilizadas con grandes cabezas en blanco y negro y ropa de impactante rojo.

Si nos vamos a la obra de Gino Rubert, podemos ver que estas imágenes son parciales de grandes obras que realiza, con gran inspiración entre “El Jardín de las Delicias” de El Bosco y “13 Rue del Percebe” de Ibañez.

Por cierto, que interesante el origen de (y la controversia con Vázquez) de la famosa página cómica.

Via: 13 Rue Bruguera | El rincón de Mortadelón

La “caja tonta” nació cuadrada. Su tubo emitía imágenes en blanco y negro en una superficie altamente curvada y cuadrada que podía estar en el salón de la casa. Posteriormente consiguieron que llegara el color, pero la forma, aunque se consiguió aplanar algo la imagen seguía siendo la de un tubo de rayos catódicos que le daba mucho culo y seguía siendo cuadrada (bueno, en una proporción de 4 unidades de ancho por 3 de alto). El cine, mientras tanto, pasó de ser en blanco y negro cuadrado a ser color y ancho (y cada vez más ancho).

Cuando se quería emitir una película en televisión había dos opciones: poner bandas negras arriba y abajo para cubrir el espacio que dejaba la imagen alargada o recortar a los lados para que ocupara todo el alto (pan & scan). Mientras, las series para televisión ya se pensaban para ser emitidas en 4:3. Pero en los años 90 hubo una tendencia en rodar algunas series en formatos panorámicos (y en película cinematográfica, no en vídeo), aunque sabiendo que partes de la imagen serían recortadas para televisión. Con la llegada de las pantallas planas, con formatos panorámicos 16:9, se ha podido aprovechar este material para poder reeditarlas y de paso escaneando el material en calidad HD (o superior). Vamos a ver algunos casos y las peculiaridades de este paso, algunos aciertos y algunos problemas.

Es muy curioso cuando los actores de una película o serie hacen de personas normales que se meten a actuar y lo hacen mal. Es una capa interesante de dificultad, intentar aparentar que eres una persona sin preparación haciendo precisamente lo que estás haciendo. También son interesantes cuando el mundo del espectáculo se mira el ombligo y te muestra “por detrás” un rodaje o un teatro y se confunde la ficción con la meta-ficción. Un ejemplo recientes sería Barry, con un asesino a sueldo descubriendo su vocación teatral.

Este verano se ha estrenado la película Deep Cover, que tiene unos actores de improvisación como parte central de la trama, y aprovechando vamos a ver otras apariciones de la impro como parte de la trama de series y películas.

The Office

El papanatas de Michael Scott (Steve Carell) empieza a dar clases de impro (2×09 – E-mail Surveillance), sólo para demostrar que es el peor improvisador del mundo, imponiendo sus propuestas sacando siempre unas pistolas.

Cuando empezó en su carrera como actor, el artista de Queens estaba tan flipado con la improvisación que se fue a Chicago, a la escuela más importante de de USA: The Second City. Es famosa por ser la cantera de muchos cómicos de SNL, ya que por esta escuela han pasado actores y actrices como Tina Fey, Steve Carrell o Bill Murray… Según cuenta, un día fue a ver un show en el que Chris Farley le interpretó a él. Pero sus sueños de convertirse en improvisador de la compañía se vieron frustrados cuando a pesar de sus cualidades y su tiempo de formación no fue elegido en el elenco principal.

Unos años después hizo la película Swingers (de la que hablamos sobre el plagio que sufrió), en la que escribió el guión inspirado en su vida en Chicago y ahí despegó su carrera como actor. En esta, muchos de las conversaciones son improvisadas sobre un esquema prefijado por guión, dándole frescura a la química entre los actores.

Cuando dirigió la película Chef en 2004 (que también escribió y protagonizó), dio libertad a todo el elenco para improvisar. Ahí podemos ver a John Leguizamos y Sofía Vergara en conversaciones que se sienten vivas.

En 2008 fue el director de Iron Man (reservándose el papel de Happy Hogan) y ahí se estableció como uno de los grandes directores del mundo friki. Uno de sus aciertos fue dejar que Robert Downey Jr. hiciera suyo el personaje y dejarle improvisar algunos de los momentos más memorables y que lanzaron el MCU.

El resto de la carrera de Favreau ya es más conocida por todos, especialmente en la dirección (The Mandalorian), y seguramente podremos ver la frescura de dejar a un actor o actriz improvisando escenas en futuros proyectos…

Bola Extra: Jon Favreau en Friends

En 1996 interpretó en Friends al novio multimillonario de Mónica.

¿Has tenido un momento en la vida en la que te ha apetecido mandarlo todo a freír monas y perderte en ninguna parte? ¿Y mirar un globo terráqueo y pensar “se podría ir en coche de España al mar de Japón”? Pues vamos a ver dos casos, uno de 2004 y otro de 2025, sus parecidos y sus diferencias.

En 2004, el actor Ewan McGregor, motero empedernido, pensó que era buena idea ir desde Londres a Nueva York, pero en lugar de cruzando el océano Atlántico ir “por el otro lado”. Lió a su colega Charley Boorman, puso en marcha un proyecto audiovisual y produjeron una miniserie documental: Long Way Round que seguía sus andanzas en moto. Despues realizaron otros viajes en 2007 (Long Way Down: recorriendo África), 2019 (Long Way Up: América de sur a norte) y 2025 (Long Way Home: recorriendo Europa) Podéis encontrar las series en AppleTV+. Web oficial

En 2025, el creador de contenido Fabio Belnome volatadipeluca, con su Fiat Marea diesel de 1998, decidió hacer un viaje similar, desde Barcelona (España) hasta Tokyo (Japón). Fabio llegó a Japón y, antes de volverse (en avión) a España mandó su coche a Canadá. Ahora está yendo desde Alaska hacia el sur… objetivo Patagonia. Podéis seguir su viaje día a día en Instagram y TikTok ( y los resúmenes en YouTube).

Han pasado 40 años desde que en 1983 la canción Maniac de Michel Sembello tuviera fama internacional al estar en la película Flashdance. Estuvo candidata al Oscar, pero no se lo llevó porque se lo llevó What a Feeling de la misma película.

No es la primera versión que se hace de la canción, su ritmo pegadizo (con esos sintetizadores tan propios de los 80) no te lo puedes quitar de la cabeza y puede seguir vigente durante muchos años. Sin necesidad de reversionados.

Era el año 1970, el compositor Sergio Mendes decidió construirse un estudio privado para grabar canciones en su casa de Encino, California. Para ello contrató a un carpintero (con poca experiencia, aunque él no lo sabía). Este carpintero, como se puede observar en la fotografía era Harrison Ford, que iba haciendo sus pinitos en Hollywood y necesitaba ingresos extra.

Mas info: El País – La imagen de Harrison Ford cuando era carpintero

Bola Extra: Mas que nada – Sergio Mendes

“Vidas Pasadas” (Past Lives) es una de las películas del pasado año. Un brillante debut para su directora y guionista, la coreano-canadiense Celine Song. Pero hoy nos vamos a para en un hecho peculiar de su carrera. En 2020, cuando llegó el confinamiento por COVID en febrero 2020, se encontró en la peculiar situación de tener que parar el montaje que acababa de estrenar en el Off Broadway de New York. Y en esas semanas hizo una propuesta arriesgada: realizar el montaje de La Gaviota de Chejov, pero usando The Sims 4 y retransmitir en directo la preparación y el montaje final a través de Twitch. Fueron casi 6 horas de directo a lo largo de distintos días.

Vía: Vulture.com: The Best Online Staging of Chekhov’s The Seagull Is in The Sims. Really.

El DJ francés David Guetta sigue rescatando samples del pasado, pero con esta canción ya es salvaje, es simplemente reversionar el Blue de Eiffel 65 cambiando la letra de “estoy triste” a “estoy bien”.

Aquí tenéis el original para comparar